A propos de la série Maud / Dominique :


Thierry Michelet, lutte pour la peinture et pour le corps. Le lieu du combat est d’abord la surface, afin que le tableau devienne la métaphore du monde.
Le but pictural avant d’être lié à L’ESTHETIQUE – est sens et relation. Au-delà du corps féminin, il y a l’espace, et cette mystérieuse tension, entre la posture et le cadre. Est-ce le corps qui gagne ou la surface peinte qui prévaut ?
La surface est puissante car elle est l’expression même de ce qui est peint. Le traitement du corps, sur un VIDE coloré EST ce champ, lilas, rose, jaune orangé, gris ou vert anis, qui le pousse vers l’avant ou vers le bord. Cette mise en danger de la figure et du fond nous indique que l’artiste veut ramener la figure à la vie en lui donnant du caractère.

Le CONTENU est là.

Que ce soit en apesanteur ou sous un angle inédit ; la figure inachevée ou tordue, fragmentée ou offerte – parle du RYTHME. Qu’elle se termine de façon harmonieuse ou pas, c’est le duel sans merci de la peinture, dont la ligne d’horizon est elle-même.
Saisir le corps féminin, c’est inoculer à l’axe de construction, une vie émotionnelle propre, loin de toute entité individuelle.
Les éléments stylistiques vont des formes généreuses, aux structures ramassées ou charpentées. La corporalité explore à la fois l’organique et l’éros sacré du nu. Le format en hauteur, se prête justement à la mise en œuvre d’un espace monumental qui contraste crûment avec l’expressivité des chairs.
La concentration sur un motif unique (le corps issu du modèle) pousse Michelet à mettre en évidence la curiosité picturale, dont il est l’aventurier.
Qu’il le survole ou qu’il l’aborde comme un objet inspiré de la statuaire égyptienne, le corps est toujours happé, sous l’angle le plus vif. Et s’il manque la tête, elle est à chercher dans la coulure noire, où le blanc originaire de la toile apprêtée, prédomine. Une lecture abstraite nous invite d’ailleurs, à ne pas succomber à la description réaliste des formes et des couleurs. Il n’y a pas ici la moindre volonté édifiante, mais la valeur magique de la peinture. C’est ce donné immédiat du corps, cette étrange poésie, dans la réalité des choses, dont EDOUARD MANET nous gratifie, dans « Le déjeuner sur l’herbe » que l’on retrouve ici. Et : « ce coloris aigre qui entre dans les yeux, comme une scie d’acier... » dont affublait la rumeur de l’époque, faute de comprendre la modernité intemporelle. Ces mauves, ces couleurs, lie de vin rosacée nous la rappellent.
Thierry Michelet touche à l’élégance, parce qu’il s’écarte du monde convenu. Le nu est dans un silence qui le magnifie. Il faut cette sobriété sans phrase pour que le sujet devienne l’argument absolu de la peinture. Simplicité de la figure et accompagnement voluptueux de la main du peintre, dont la hantise excède le sujet.
Si les proportions du corps sont changeantes, si leur compacité, relevant presque de l’anamorphose, nous interrogent, c’est parce qu’elles reviennent d’une réalité rêvée.
Tantôt fragment d’architecture, tantôt paysage, le corps féminin colle au symbolique. S’il se fragmente ou se déporte dans l’espace de la toile, c’est parce qu’il aspire à l’agitation fiévreuse de la représentation.
De cet aspect ludiquement sérieux, voire provocateur, le regardeur admettra la diversité des points de vue.
Indéfinition de la représentation et questionnement ; la perspective du peintre, est de soulever la question du corps organique et naturel.
Jusque dans la fragmentation, il y a dévoilement et esquive. Par exemple dans la radicalité d’une cuisse pliée, en bas à droite, tout à fait dans le coin de la toile, dans la stridence d’un gris moiré.
De cette approche visuelle, nous irons dans un autre tableau où l’artiste, dans la contre-plongée d’un buste féminin va renforcer le rouge, de la pointe du sein. Si la tension résulte de la multiplication des angles de vue, le sentiment univoque du nu, en apparence dépersonnalisé, atteint à l’allégorie d’une étreinte où l’homme n’est pas.
De cette absence, de cette clarté sans ombre, l’œil du peintre, refuse le compromis. Cette mise en scène du corps relève en partie de l’idée expressionniste, dans sa plasticité, mais affirme la nécessité de sauver la ligne mélodique interne.
Cette oscillation dissonante, ces couleurs salies, produisent d’autres densités ; celles de la pierre ou du bronze. Parfois un pied frontal et surdimensionné brise la forme et accède à la figure mythologique. Une typologie sculpturale change la vision et la détermination spatiale. Michelet libère les corps et les dépasse, comme autant d’accidents nécessaires.
Polychromie des chairs jouant avec la limite du cadre, mais ne ployant pas sous l’effort ou l’angoisse ; afin de rendre plus proche et plus poignante, la figure. Il y a du tactile et du sensible dans cette appréhension.
A la source du travail, des photographies de modèles – MAUD et DOMINIQUE – nécessaires pour rendre compte des distorsions du corps réel. Aucun simulacre de la photographie, mais un aide-mémoire pour peindre après. Comme si la figuration de ces corps, phagocytait le système nerveux du créateur. Cette opération maintient cependant le dynamisme de la main et les échanges matériels à l’intérieur de la toile.
Ainsi la peinture nous laisse seuls et entiers à l’écoute du fait pictural à l’état pur.
S’il y a chez Michelet la tentation de figurer, il y a la volonté explicite de défigurer.
Produire de la présence, c’est aussi se détourner du concept de laideur ou de beauté.
Ce qui importe, c’est d’affecter la stabilité réaliste du corps et d’accéder à un autre temps de la figure. Nous sommes dans un langage et une historicité différente du corps.
Au Lieu du Mystère de l’Incarnation, il y aurait de l’inimaginé, de l’hétérogène.
Dans une de ses poésies, Egon Schiele écrit pour répondre aux critiques : « toute chose est morte-vivante. ». Cette coexistence inéluctable de la vie et de la mort, donne à ces corps féminins, une lumière qui brûle d’elle-même.



Katia FEIJOO



Thierry MICHELET fights for painting and the body. First, the struggle takes place on the surface, and thus the painting becomes a metaphor of the world. Before being linked to estheticism, the pictorial aim is sense and relation. Beyond the female body, there is space, and this mysterious tension between the posture and the background.
But what dominates? The body or the painted surface?
The surface is powerful, because it embodies the very expression of what is painted. The way the body is represented, on a coloured emptiness which is this lilac, pink, yellow-orange or green-anis field, pushes it forward or towards the edge. Jeopardizing the surface and the background, we understand that the artist wants to bring the figure to life, giving it more strength.
The content is here. It does not matter much wether it is in weightlessness or through a new angle; the unfinished, crooked, fragmented or offered figure embodies the rythm. It makes no difference wether the figure ends in a proportionate way or not, it is only this merciless painting's struggle, whose skyline is itself.
To grasp the female body means to inoculate an emotional life of its own to the axis of construction, far from ail sorts of individual entity. The stylistic elements go from generous curses to well-built or crammed structures. The state of the body explores both the organic and sacred Eros of nudity. The high size of the painting creates a monumental space and thus establishes a raw contrast with the expressiveness of flesh tints.
Putting the emphasis on an unique pattern (the model's body), MICHELET underlines the pictorial idiosyncrasy of which he is the adventurer. It makes no difference wether the artist looks the body from above or perceives it as an object inspired by the Egyptian statuary; it will be always seized through the most acute angle. If the head is missing, we can find it in the black drip where the primary white colour of the painting prevails. Besides, an abstract observation avoids us to be influenced by the realist description of the forms and colours.
There is no edifying will here, but only the magic value of the painting. It is this immediat feeling given by the body, this strange poetry, in the reality of things, that Edouard MANET presents us through his "Lunchon the Grass" and that we can find in Thierry MICHELET's painting. But we can also perceive: "this bitter colour-scale which sinks into our eyes, as a steel saw..." (Whose people upbraided at that time, just as they did not understand the timeless modernism). These different shades of mauve and these rosaceous wine colours remind it to us.
Thierry MICHELET, moving away from a conventional world, touches elegance. Nudity is magnified by its silence. That unqualifiable sobriety is essential if we want the subject to become the painting's absolute outline.
The total simplicity of the figure and the voluptuous movement of the painter's hand, whose obsessive fear surpasses the subject.
If the proportions of the body are continuously changing and if their compactness,
almost resulting from the anamorphosis, does question ourselves, it is only because
they derive from a virtual reality. At one stage fragment of architecture, at another landscape, the Female body is limited to the symbolic.
If it crumbles or swerves in the painting's space, it is because it aspires to a feverish agitation of the representation.
The observer will acknowledge the diversity of point of views thanks to this aspect of playful seriousness, which could be even qualified as provocative. We can suppose through the uncertainty in the representation and the questioning, that the artist's aim is to raise the question of the organic and natural body. Revelation and evasion go up till the fragmentation. As for instance, through the bend of a thigh (in the bottom on the right, in the corner) hidden in a sharp shimmering black. From this Visual approach, we will discover another painting where the artist, through the low-angle shot of a female bust, reinforces the red colour of the nipple. Although the increase in angle views creates a tense atmosphere, the univocal feeling of nudity (which outwardly seems to be depersonalized) reaches the allegory of an embrace in which the man does not exist.
From this absence, this shadeless clearness, the eye of the painter refuses the compromise. The exposure of the body derives from the expressionist manner (in its plasticity), but it also shows the need to keep the inner melodic line. This discordant oscillation and these "dirtyish" colours create other densities such as stone or bronze. Sometimes, a frontal and oversized foot breaks the shape and reaches the mythological figure. A sculptural typology changes the vision, and the spatial determination. MICHELET frees the bodies and goes beyond them, as if they were necessary accidents. He makes the figure more approachable and poignant through the polychromy of flesh tints, and it seems to play with the limits of the frames, but it never bends under the effort or the distress. We can notice both a tactile and a sensitive approach. The pictures of Maud and Dominique (the painter's models) are the basis of the painting, and were essential to represent the curses and the distortions of the real body. We cannot consider it as a "simulacre" of the photography, but as an aide-memoire in order to paint afterwards. It is as if the painter's nervous System was swallowed up by the representation of the bodies. Yet, this energy of the hand and the material relations, remain within the painting thanks to this technique. Thus, the painting leaves us alone, passionate and attentive to the very pictorial concept.
Even though we can notice, in MICHELET's painting, the desire to represent the body a it is, there is also the explicit will to distort it.
To create presence also means to deviate from the notion of beauty and ugliness. The only thing that matters is to undermine the realistic stability of the body, and to reach another dimension of the figure. We share a language and a historicity different from the body.
Instead of the Mystery of Incarnation, there could be a non-imagined dimension and heterogeneity.
Agon SCHIELE writes in one of his poems, in order to react against criticism: "Ail things are both dead and alive. This inescapable coexistence between life and death gives to the female body a flame that burns by herself."